Videocast «Como llegue a ser bailarina»

Vicente Nebrada un legado Coreográfico

 

Estando en New York recibió la invitación de Alicia Alonso para formar parte de su compañía de baile en La Habana, Cuba. En 1953 regresa a Venezuela para formar parte de la recién creada compañía Ballet Nena Coronil. Con esta compañía versiona e interpreta ballets del repertorio clásico, comienza a crear coreografías, participa en diferentes espacios televisivos y es parte del primer espectáculo profesional que realiza esta compañía en el Teatro Municipal de Caracas.

En 1984 acepta la dirección artística del Ballet Nacional de Caracas (actual Ballet Teresa Carreño), compañía residente del Teatro Teresa Carreño, cargo que ejerce hasta 2002. Durante su permanencia en esta compañía de ballet fue un factor fundamental de la riqueza y contemporaneidad del repertorio de la compañía y del elevado nivel profesional exhibido por sus bailarines.

Los ballets de Vicente Nebrada poseen un particular sentido dramático y un impacto teatral apoyado por un vocabulario fresco y sensual que se combina con gestos naturales intuitivos. Es particularmente conocido por el estilo personal que le imprime a sus pas de deux.

La personalidad artística de Vicente Nebrada ha sido definida por Clive Barnes del New York Post, con las siguientes expresiones: «Vicente Nebrada es un coreógrafo multifacético y fascinante cuyo talento podría dar al Ballet Latinoamericano una identidad y un estilo propio».

El repertorio coreográfico de Nebrada lo conforman más de cien títulos, de los cuales sobresalen: Nuestros Valses, Una Celebración de Haendel, La Luna y los hijos que tenía, Batucada Fantástica, Pájaro de fuego, Sebastián, La Mer, Romeo y Julieta, Pentimento, Fiebre, Doble Corchea, El lago de los cisnes, Van Gogh y El Cascanueces. Sus coreografías han sido interpretadas por más de cuarenta compañías en cinco continentes.

Vicente Nebrada

Vicente Balbino Nebreda ( Vicente Nebrada) nació en Caracas el 31 de marzo de 1930. Fue un coreógrafo y bailarín venezolano parte de la generación que inició la actividad dancística en el país en los años 1940.  Inicia sus estudios de ballet en el año 1945 con los maestros Hery Thomson y Luz Thomson. En 1948 ingresa en la Escuela Nacional de Ballet dirigida por Nena Coronil y cuatro años más tarde viaja a New York a continuar sus estudios de ballet en la School of American Ballet con los maestros Anatole Oboukoff, Pierre Vladimiroff y Edward Caton.

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Joaquín Cortés, pasión y sensualidad

En 1984 con tan sólo quince años, Joaquín Cortés es admitido como miembro del Ballet Nacional de España y al poco tiempo es ascendido a bailarín solista. Viajó con esta compañía por muchas ciudades del mundo, bailando en teatros importantes como el Metropolitan Opera House de New York  y el Palacio de Congresos del Kremlin de Moscú.

Tras dejar el Ballet Nacional comienza su ascendente carrera bailando junto a reconocidas personalidades del mundo artístico de la danza, como  Maya Plisetskaya; también baila en el Festival T’RES MOCHE Flamenco de Verano en Tokio, varias galas en el Lincoln Center de New York  y, en el ballet Don  Quijote (coreografía de Vicente Nebrada) con la compañía Bellet Teresa Carreño  en Caracas- Venezuela. En esta época también creó la coreografía Carmen  para la Arena de  Verona.

En 1992 crea su propia compañía «Joaquín Cortés Ballet Flamenco». La primera producción de esta compañía, Cibayí, se presentó en Japón, Francia, Italia, Venezuela y Estados Unidos. En ese mismo año trabajó para Mecano, montándole la coreografía del tema Una rosa es una rosa para el Aidalai Tour, y apareciendo en el videoclip del mismo tema bailando en pareja con Ana Torroja.

Su segundo espectáculo, llamado Pasión Gitana, se estrenó en 1995 en el Teatro Albéniz de Madrid y contó con Giorgio Armani, como diseñador de vestuario. Con este espectáculo realizó giras por Estados Unidos (1996), Latinoamérica (1997), Autralia, Japón y Canadá (estos últimos en 1998), recorriendo más de treinta países y más de un millón de espectadores acudieron a la obra.

Debutó en el cine con la película La flor de mi Secreto de Pedro Almodóvar y después participó en la película de Carlos Saura Flamenco.

Cortés se traslada a Nueva York a principios de 1999 y comienza su colaboración con la coreógrafa Debbie Alled, con quien participa en la ceremonia de la entrega de los Premios Óscar.

 Joaquín Pedraja Reyes  nació en Córdoba el 22 de febrero de 1969  siendo  un bailaor de flamenco y coreógrafo, descendiente de una familia gitana. De niño se va a Madrid, al barrio de Lavapiés donde comenzó sus estudios de danza  cuando tenía doce años.

Este bailaor tiene un estilo propio donde mezcla de flamenco, ballet y jazz que han sido la combinación para llevar esta disciplina a los rincines más remoto del mundo.

 

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Anna Pavlova

 Poseedora de un talento innato para la danza, su estilo  refinado y su sutileza  quedó magistralmente expresada en la que fue su más inolvidable creación por Michel Fokine: La muerte del cisne, una coreografía que, con  música de Camille Saint-Saëns fue  estrenada en San Petersburgo y presentada en el Metropolitan Opera House de Nueva York cinco años más tarde. Interesada por las danzas tradicionales, en sus programas le gustaba  introducir danzas procedentes de países tan dispares como la India, Polonia, Japón y su Rusia natal.

Anna Pavlova fue una bailarina rusa que nació en San Petersburgo- La Haya en el año 1881. Inició sus estudios en 1891, a la edad de diez años, en la Escuela de Ballet del Teatro Marinsky de San Petersburgo con Pavel Gerdt, Christian Johansson y Eugenia Sokolova. Debutó en la compañía el 1 de julio de 1899 con La Virgen Vestal.

Después de varias giras por Londres, Nueva York, Praga y Berlín con Mikahil Mordkin como partenaire, Anna Pavlova, aún ligada al Teatro Marinsky, formó su propia compañía en 1910. El grupo, formado por tan sólo ocho bailarines en un principio, fue ampliado en 1913 para realizar una gira por toda América.

Harcourt Algenaroff, Hilda Butsova, Laurent Novikoff, Ruth Page, Pierre Vladimirov y Alexander Volinine fueron algunos de sus colaboradores. La Primera Guerra Mundial la sorprendió en Berlín, pero consiguió trasladarse a Londres, donde actuó privadamente para el rey Eduardo y la reina Alejandra.

Setenta años después de su muerte, Anna Pavlova es recordada como el símbolo de la danza clásica, por la potencia emotiva y la profunda perfección que supo transmitir a su interpretación.

Historia del Flamenco

El flamenco es un género español de música y danza que se originó en Andalucía en el siglo XVIII, que tiene como base la música y la danza andaluza. El cante, el toque y el baile son las principales facetas de esta disciplina. El flamenco es una cultura auténtica que tiene valores mestizos, cuenta con su parte árabe, judía, gitana y andaluza. Los ocho siglos de dominación musulmana dejaron en Andalucía una muy variada y manifiesta seguridad cultural.  

Una historia que nació con el cante y que a él siempre ha estado ligada. Porque el cante ha sido y es la esencia del flamenco, al que más tarde se incorporarían la guitarra y el baile. El arte flamenco se desarrolló a partir de unos cantes básicos que los cantaores interpretaban por afición en las reuniones familiares. De ahí pasarán, a partir de la segunda mitad del siglo XIX, a los teatros y cafés cantantes de ciudades andaluzas como Cádiz, Sevilla y Jerez de la Frontera, y los cantaores empiezan a convertirse en artistas, desarrollan nuevos cantes y añaden a su arte la guitarra y el baile como una parte más de la expresión del flamenco.

En el siglo XX, surgieron los grandes espectáculos flamencos, con Pepe Marchena como uno de los artistas más destacados de esta época llamada de la opera flamenca. De la mano de Manuel de Falla y otros intelectuales, se organiza el Concurso de Cante Jondo, que tiene lugar en Granada en 1922. Allí Manolo Caracol, que obtuvo un primer premio, comenzó su carrera de éxitos. Después vendría la época de los tablaos y la publicación de los primeros libros y ensayos sobre el flamenco, además de la celebración de otros concursos como el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba

Este arte de carácter involucra expresión, cuerpo, sentimiento y elegancia que hacen esencial el movimiento del cuerpo de una manera especial durante el baile; porque el flamenco es más de un baile, es una forma de comunicación y expresión única. Para las mujeres, los brazos son tan importantes y ellas deben aprender el arte de mover los brazos arribas y altos sobre las cabezas sin esfuerza y con mucha gracia. Mientras se mueven los brazos de una manera redondeada tienen que girar las manos también. Además, los pies son muy importantes en el zapateado del baile.

 

Historia del Ballet Clásico

El ballet nace como un espectáculo que englobaba pintura, poesía, música y danza. Tenía lugar en las cortes italianas del renacimiento, principalmente para banquetes y bailes. La actuación se basaba en las danzas sociales de la época. Hacia mediados del siglo XV, cuando el renacimiento se expandía en toda Europa, los ballets cortesanos italianos fueron ampliamente desarrollados en Francia. El Ballet cómico de la reina, primer ballet del que sobrevive una partitura completa, fue creado por Balthazar de Beajoyeaux, y fue bailado por aristócratas aficionados.

El escenario se empleó por primera vez en Francia a mediados del siglo XVII. El ballet de corte alcanza su cumbre durante el reinado de Luis XIV, entre 1643-1715, cuando se funda la Academic Royale de Danse abriendo así el camino hacia la danza profesional. El ballet clásico, como se le llama a este estilo de danza, no permaneció mucho tiempo en las cortes, pues cada vez requirió de un mayor entrenamiento para ejecutarlo.

Así fue como esta disciplina se convirtió en arte y en un espectáculo teatral que era interpretado por gente que dedicaba su vida a entrenarse para ejercer la nueva profesión de bailar, y que había que ir a ver al teatro, donde se contaba una historia, un cuento a través del baile, enmarcado por la música, la actuación, el vestuario y los decorados.

El ballet, en su búsqueda por la belleza de los movimientos acabó por hacer a los bailarines verse como seres que casi lograban volar cuando bailaban. Así que las bailarinas comenzaron a bailar sobre las puntas de los dedos de sus pies, gracias a la invención de unos zapatos con punta dura llamados zapatillas de punta, que las hacían parecer más delicadas, ligeras y ágiles, como plumas flotando en el aire, personas sin peso.